Indijski podkontinent je ustvaril številne umetnike z mednarodnim ugledom, med katerimi so mnogi na dražbah po vsem svetu pobrali milijone. Nekatere najuspešnejše in inovativne umetnice iz Indije so ženske in njihove raznolike prakse raziskujejo široko paleto tem, od identitete in spomina do politike, zgodovine in sodobne kulture. Predstavljamo vam deset najbolj znanih sodobnih indijskih umetnic.
Šilpa Gupta
Interdisciplinarne prakse Shilpa Gupta ob preučevanju različnih tem, od potrošniške kulture do želje, varnosti, religije, nacionalizma in človekovih pravic, uporabljajo interaktivne video, fotografije, instalacije in performans, pogosto pa se zanašajo na udeležbo publike. V njeni seriji video projekcij z naslovom Senca (1, 2 in 3) deluje kot interaktivna video igra, ki vključuje simulirane sence gledalcev, ujete s kamero v živo. Senčke se projicirajo na beli zaslon in medsebojno delujejo z drugimi sencami, ki jih ustvarijo predmeti, lutke, hiše, ptice in druge figure, ki plešejo, skačejo in hodijo. Gupta je ena izmed mladih generacij indijskih umetnikov, katerih delo se odziva na postkolonialne družbene delitve. Pogosto zamegljuje, nariše in zbriše geopolitične meje, kot je na primer v 100 ročno narisanih Zemljevidih Indije (2007–2008), sestavljenih iz ročno narisanih zemljevidov, ki jih gledalci zapišejo iz spomina, ali njeno neurejeno delo, ki prikazuje rumeno policijo trak zastave se glasi: "Tukaj ni meje."
Bharti Kher
Pripravljen bindi - tradicionalna indijska okrasitev čela - je osrednja v praksi Bharti Kher in vabi ambivalentne pomene, ki se gibljejo med tradicijo in sodobnostjo. Kher uspeva pri ustvarjanju umetnosti, ki prikazuje napačno razlago, napačne predstave, konflikt, večplastnost in protislovje, raziskuje človeško dramo in sodobno življenje. Bindi se pojavlja v svojih slikah in v svojih kiparskih instalacijah, s katerimi izziva vlogo žensk v tradicionalni državi in navaja njen tradicionalni duhovni pomen 'tretjega očesa'. Njen rekordni film The Skin Speaks a Language Not It Own (2006) prikazuje mrtvega ali umirajočega slona iz steklenih vlaken, prekritega s sijočimi vezmi. Njeno delo se nadalje ukvarja z alegoričnimi zgodbami, fantastičnimi bitji, magičnimi zvermi in mističnimi pošasti, kot jih vidimo v drugih delih, ki temeljijo na živalih, kot so Prekrški. Absence of Assignable Cause (2007) je replika srca modrega kita v velikosti, ki temelji na umetnikovi domišljiji, poudarja romantično predstavo o "velikem srcu" in skrivnosti, ki srce vežejo na pojme o ljubezni, življenje in smrt.
Bharti Kher - odsotnost določenega vzroka © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hašmi
Zarina Hašmi s svojim papirjem kot glavnim medijem in minimalnim besediščem, bogatim z združenji, ustvarja abstraktna dela, ki so v skladu z njenimi življenjskimi izkušnjami izgnanstva in odtujevanja ter konceptom doma - pa naj gre za osebno, geografsko, nacionalno, duhovno ali družinsko. Njena kontemplativna, pesniška opusa vključuje lesorez, jedkanice, risbe in odlitke iz papirne kaše. Njene ročno izdelane in kaligrafske črte so sestavni del njenih kompozicij. Jezik je za umetnika ključnega pomena. Letters from Home (2004) prikazuje serijo odtisov, ki temeljijo na pismih njene sestre Rani, ki živi v Pakistanu. V video intervjuju s Tateom Zarina pripoveduje, kako ji je prejemanje pisem pomagalo ohraniti občutek identitete. Ročno napisana urdu je prekrivana z zemljevidi in načrti oddaljenih domov in krajev, ki nosijo sence pomembnih trenutkov in vtisov krajev, pomembnih za življenje njene družine.
Nalini Malani
Koncept presežene meje je v središču prakse Nalini Malani, ki črpa iz literature, mitologije, zgodovine in osebnega življenja, da ustvarja umetnost, ki je pomembna v kulturah. Od risb do slik, projicirane animacije, igranja v senci, videoposnetkov in filma umetnik nasprotuje tradiciji s modernističnimi elementi za reševanje perečih vprašanj sodobne družbe. Njeno družino je prizadela particija iz leta 1947 - tema, ki je Malani draga, kot je razvidno iz Spominjanja Toba Tek Singha (1998), videoposnetka, ki ga je navdihnila istoimenska kratka zgodba Sadat Hasan Manto. Malani uporablja simboliko smrti Bishena Singha - duševnega bolnika, ki se med particijo noče preseliti v Indijo, umre v nikogaršnji zemlji med obema mejama. Malani nato raziskuje učinke razdelitve na življenje ljudi, to raziskovanje pa razširi tudi na učinek jedrskega testiranja v Pokhranu v Rajasthanu. Malanijevo zanimanje za Cassandro je v njenem prepričanju, da ima vsak od nas vpogled in nagone. Njena razstava iz leta 2014 z naslovom Cassandrov dar v umetniški galeriji Vadehra se je osredotočila na možnost, da človeštvo predvideva dogodke prihodnosti in resnično 'prisluhne' dogajanju okoli njih.
Rina Banerjee
Ljubezen do snovi, tkanine in teksture, skupaj z izkušnjami življenja v skupnostih mešanih kulturnih / rasnih lokacij, so osnova za poetična multimedijska dela Rine Banerjee. Svoj opus definira kot raziskovanje "specifičnih kolonialnih trenutkov, ki ponovno izumljajo mesto in identiteto kot zapletene diasporske izkušnje, ki so prepletene in včasih nadrealistične." Banerjee ustvarja barvite sklope tekstilij, modnih predmetov, kolonialnih predmetov, opreme, taksidermije in organskih materialov, ki jih pridobivajo iz newyorških prodajaln junk in jih preoblikujejo v predmete, prežeta z novim pomenom. Nenavadni materiali vključujejo taksidermizirane aligatorje, lesene posteljice, ribje kosti, nojeve jajčece, perje in starinsko opremo. Medtem ko je hibridnost njenih del odraz njenega svetovljanskega ozadja, je vizualni jezik, ki ga ustvarja, zakoreninjen v mitologiji in pravljicah. Vzemi me, vzemi me… do Palace of Love (2003) je instalacija, ki je bila prikazana na Musée Guimetu v Parizu leta 2011. Artikulirajoč diskurz o njenem izvoru in zahodno-orientalističnem pogledu na Vzhod, je sestavljal roza plastični paviljon, izdelan v obliki Taj Mahal je zbujal pogled na Indijo z roza toniranimi stekli, značilnimi za kolonialno britansko prisotnost v Indiji - z osrednjim sklopom 'eksotičnih' materialov.
Dayanita Singh
Dayanita Singh ustvarja radovedne pripovedi iz vsakdanjega življenja skozi fotografski medij, daje vizualni izraz pokrajini, ki umetniško domišljijo nasprotuje resničnemu svetu. Njene črno-bele fotografije so predstavljene v instalaciji z naslovom Muzej, pa tudi v njenem najljubšem mediju: knjigi. Papir ima poseben pomen za Singha. Umetnik upodablja vse, od višjega razreda do obrobja družbe, s čimer je širokokoten pogled na sodobno Indijo. Mona Ahmed je v svojem delu ponavljajoča se figura; vse od njihovega prvega srečanja leta 1989 na komisiji za London Times - evnuhu, ki živi na pokopališču v Old Delhiju, dvojnemu izgnancu, ki ga je zavrnila njena družina in evnuška skupnost. Singhova upodobitev Mone je raziskovanje oseb z razdrobljenimi identitetami in pomanjkanjem občutka pripadnosti, kar je tema knjige Myself Mona Ahmed. Singhova hiša ljubezni zamegljuje mejo med fotografsko knjigo in literarno fantastiko, s podobami, ki jih spremljata poezija in proza, ki pripovedujeta devet kratkih zgodb. Prenosni „muzeji“, na primer Muzej datotek (2013) ali Muzej na srečo (2014), so velike lesene konstrukcije, ki jih lahko razporedimo v različnih konfiguracijah, v njih pa je od 70 do 140 fotografij. Ta „foto-arhitektura“, kot jo imenuje Singh, ji omogoča neskončno prikazovanje, urejanje in arhiviranje slik.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat pogosto vključi več kot en medij v eno umetniško delo. Kallatov opus posega v neskončne cikle narave in krhkost človeškega stanja, kar odraža nenehne premike med rojstvom, smrtjo in ponovnim rojstvom; gradnja in propad, poraz in vstajanje. Pogosto dela z uradno zabeleženimi ali registriranimi imeni - ljudi, predmetov ali spomenikov, ki so se izgubili ali izginili brez sledu. Ponavljajoči se motiv v njeni praksi je žig gumija, simbol nadzora in birokratskega aparata - „brezlično stanje“, ki zasenči in potrdi identitete. Kallat uporablja gumene znamke od leta 2003, svoja dela pa vlaga z ironijo. V Falling Fables je uporabila žige z naslovi manjkajočih spomenikov, zaščitenih v Indiji za arheološki pregled, pri čemer je ustvarila oblike arhitekturnih ruševin, s čimer je opozorila na stanje propada in zloma kolektivnega spomina, ki se dogaja v Indiji in po svetu danes. Leta 2013 je ustvarila Untitled (Cobweb / Crossings), pajčevec na fasadi muzeja Bhau Daji Lad v Mumbaju. Njeno ustvarjanje je obsegalo eno tono gumijastih žigov, ki nosijo nekdanja imena ulic, ki obdajajo muzej, in poudarjajo izgubljene zgodovine. Kallat je pred tem motiv spleta uporabljal za ukvarjanje z migracijskimi vprašanji in tistimi, ki ga nadzorujejo. V "Brez naslova (Zemljevid / risba)" zapleteni zemljevid sveta, narejen z električnimi žicami in priključki, zasleduje pogosto skrite selitvene poti delavcev.
[K] Reena Saini Kallat - Brez naslova (2008) - Podrobnosti © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
S fotografijo in kiparsko instalacijo se Hema Upadhyay ukvarja s pojmi osebne identitete, pripadnosti, dislokacije, nostalgije in spola, ki razmišlja o sodobni državi Mumbaj - metropoli s svojo multikulturalizmom, ki je posledica migracijskih gibanj. Ponavljajoče se avtobiografsko delo vključuje slike same sebe, kot da išče svoje mesto znotraj mesta, kamor se je med particijo prisiljena preseliti z družino. V svoji prvi samostojni razstavi, Spomini na sladki znoj (2001), je predstavila dela, ki so govorila o občutkih odtujenosti in izgube. V seriji so bile predstavljene miniaturne fotografije samega sebe, prilepljene na slike, ki prikazujejo zračne in podzemeljske perspektive Mumbaja kot presenetljivo novo mesto.
Sheela Gowda
Sheela Gowda, ki vključuje kiparstvo, instalacijsko umetnost in fotografijo, ki prikazuje mestno in podeželsko Indijo, ustvarja dela z vsakodnevnimi materiali, vključno z najdenimi in recikliranimi predmeti in materiali, kot so kravji gnoj, rdeči kumkum (kurkuma), kadilo, človeški lasje, zlatolistni list, svečana barvila ter domačih materialov, kot so kokosova vlakna, igle, niti in vrvica. Gowdova praksa se močno naslanja na njen postopek, ki zamegljuje meje med umetnostjo in obrtjo ter postavlja pod vprašaj vlogo ženske subjektivitete v kontekstu religije, nacionalizma in nasilja, ki predstavlja sodobno Indijo. In Tell Him of My Pain (2001) je zaposlil več kot 100 metrov navitih niti, pobarvanih z rdečim kumkumom, obešen in narisan po prostoru, da bi ustvaril tridimenzionalno risbo. Delo se je nanašalo na indijsko kulturo začimb in na tekstilno industrijo - ki je tradicionalno del ženske izkušnje - da bi poudarilo bolečino ženskega domačega življenja v patriarhalni družbi.
